Proceso Cruzado en Photoshop

Aunque hay distintas maneras de crear este proceso yo os voy a explicar una de las mas sencillas, bien de forma automática y sin apenas darnos control de nada, y otra algo mas “complicada” mediante curvas, que nos permitirá algo mas de control.
 
Para cualquiera de las dos formas usaremos Photoshop.

 
 
 
 
 
Ajuste automático para proceso cruzado
 
  • Abrimos la fotografía original y si está en RAW la dejamos con los valores por defecto que ha sacado nuestra cámara.
  • Creamos una nueva capa de curvas
  • En la casilla de curvas, cambiamos la opción de Por defecto a Proceso cruzado
Y con estos sencillos pasos ya tenemos de forma automática el proceso cruzado
 
 
 
 
Ajuste manual
 
Aquí es donde se complica un poco mas la cosa, pero tendremos mas control sobre el resultado final
 
  • Repetiremos los pasos 1 y 2 del método anterior.
  • Seleccionamos el canal rojo de la capa de curvas
  • La línea del canal rojo la convertiremos en una curva, esto ya queda a gusto del editor.

  • Seleccionamos el canal verde y realizamos la misma opción que con el canal rojo
  • Seleccionamos el canal azul pero esta vez solo desplazaremos los extremos
 
 
  • Por último nos queda modificar el canal RGB si no vemos un resultado satisfactorio.
 

Y el resultado algo similar a la imagen que vemos al principio del artículo.

Si queremos tener un resultado mas “realista” siempre le podemos añadir grano a la fotografía, pero eso si, añadir el grano antes de realizar el proceso cruzado.



Descubriendo el proceso cruzado

Al leer el título de esta entrada seguro que os preguntaréis que ¿qué es el proceso cruzado?
 
Muchas fotografías que vemos tienen un “algo misterioso” que no sabemos lo que es, pero que sin duda capta nuestra atención. Quizás percibimos un cierto color verdoso que obviamente no es el color real de la escena, entonces muy probablemente estemos ante una fotografía cuyo revelado fue hecho con proceso cruzado, y que es bastante común encontrarlo en fotografía de moda.
Pues el efecto cruzado es el resultado de usar “incorrectamente” los químicos de revelado distorsiona los colores, proporcionando un aspecto añejo, y acentúa el contraste de los mismos, dando como resultado una imagen un tanto similar a las obtenidas con las antiguas Polaroids, y el otro efecto es bastante similar al que se logra con las cámaras lomográficas.
 
Originalmente el proceso cruzado surge en la fotografía tradicional o fotografía de film, en inglés se le conoce como cross processing, cross process o simplemente con la abreviatura xpro. Se desconoce a ciencia cierta su origen aunque hay quienes aseguran que se consiguió por error y básicamente en sus orígenes consistía en revelar una película con los químicos que se empleaban para las diapositivas o viceversa. Entre los químicos más comunes se encontraban el E6 y el C41, es por esto que muchas veces podemos encontrar referencias al proceso cruzado con los nombres de E6 a C41 y C41 a E6.
 
Aunque el efecto del proceso cruzado surge inicialmente en la fotografía de film, en la actualidad está al alcance de todos los que nos dedicamos a la fotografía digital, ya sea en Photoshop, Lightroom, Gimp u otro programa de edición digital, donde manipulando el contraste/brillo, el tono/saturación y las curvas, es posible obtener resultados muy similares al método original y que actualmente cuenta con una enorme cantidad de seguidores y fanáticos.
Aquí os dejo la forma de emular el proceso cruzado en Photoshop
 

Una de Zombís

Ahora que se acercan las fechas de Halloween es cuando este tipo de ediciones en Photoshop aparecen por todos lados, así que os voy a explicar cómo convertir a quien queráis en un zombi en pocos pasos.

 
 
 

 

 
  • Lo primero que haremos es escoger una imagen en el que, como no, aparezca una persona y le daremos un aspecto más delgado mediante el filtro licuar
  • En el tamaño de pincel elegimos un tamaño de 400 y seleccionamos la opción de mover y en la zona de los pómulos iremos corrigiendo según necesitemos la imagen para dar la sensación de estar más “delgado”.  A continuación pondremos un tamaño de pincel a nuestro gusto para retocar aquellas partes que consideremos necesarias.
  • Ahora, después de aceptar los cambios del filtro licuar lo que haremos es cambiar el tono de la piel para darle un aspecto más tétrico a nuestro modelo. Para esto tenemos muchos métodos , pero de esta forma conseguiremos unos resultados mas que convincentes:
  • Mediante una capa de ajuste de tono y saturación a la que llamaremos “rojos” y en el menú de colores elegiremos los  rojos le daremos un valor de +30 en los tonos y la saturación a -16 .
  • Creamos de nuevo otra capa de ajuste de tono y saturación que llamaremos “amarillos” y en este caso trabajaremos con el canal amarillo, con un valor en los tonos de +20 y bajaremos la saturación a -10
  • Jugaremos con la opacidad de la capa amarillos poniéndole un valor entre el 60% y el 80%
  • Los valores anteriores son orientativos, id probando y ver cuál es el que mas se ajusta a vuestra foto
  • Creamos una nueva capa en blanco y la rellenamos con un 50% de gris (menú edición, rellenar y 50% gris), el método de fusión será superponer . En esta capa lo que haremos es trabajar con la herramienta de subexponer y sobreexponer para oscurecer o aclarar las partes que nos interesen. En la herramienta de subexponer tendremos que tener seleccionado en el rango los medios tonos y en la herramienta de sobreexponer usaremos la iluminaciones. Esta herramienta la usaremos para dar brillo a aquellas partes que nos interesen.
  • Ahora tendremos que abrir una de las imágenes que os dejo a continuación, coged aquella que mas se adapte a vuestro modelo y no os preocupes porque luego la adaptaremos para que se funda correctamente con nuestra foto original.
  • Lo que haremos con esa imagen es hacer una selección de ella y nos iremos para ello al menú ventana y luego canales. Con los canales abiertos usando la tecla Control, hacemos un clic en el canal RGP. Nos iremos al menú selección e invertir. Copiamos la selección resultante y la pegamos en nuestra imagen original.
  • Con la capa de la calavera seleccionada mediante Control + T ajustaremos dicha capa al tamaño que nos interese y mejor quede con nuestro modelo. (Recordad que con el botón derecho del ratón podéis desplegar las diferentes formas de modificación que tenéis para así poder adaptar mejor a vuestra foto) El modo de fusión de la capa será multiplicar.
  • Sobre esa capa creamos una nueva máscara de capa y con la herramienta pincel con un color negro, al tamaño que necesitemos iremos borrando aquello que no necesitemos de la capa creada. Con esto acentuaremos mas la sensación esquelética de la cara
  • Creamos una nueva capa y pegamos en ella la porción de la textura que os he dejado en el archivo (zombi) y es la que usaremos para dar la sensación de que la piel de la boca se ha desprendido y nos muestra los dientes. Con Control + T ajustamos la selección como nos guste y creamos una máscara de capa. Con un pincel negro borramos todo aquello que nos moleste.
  • Volvemos a la imagen de la calavera anterior y seleccionando una porción de la mandíbula la pegaremos dentro de nuestro documento y se nos creará una nueva capa, una vez más la redimensionamos como mejor nos quede en nuestra imagen y volvemos a crear una máscara de capa, esta vez mediante la combinación Control + I la rellenamos de negro y con un pincel blanco vamos mostrando la parte de dentadura que necesitamos. Para suavizar el corte bajaremos la opacidad del lápiz a 20 aprox y pintaremos por la zona del corte.
  • Esto mismo lo podremos hacer con cualquier hueso que deseemos colocar a nuestro personaje. Para ello solo tenemos que seguir los mismos pasos que hemos hecho con la mandíbula.
  • Ahora le daremos un color más realista no solo a la mandíbula, si no al resto de los huesos que hemos creados.
  • Para ello tendremos que seleccionar la capa, en este caso de la mandíbula, y nos vamos a imagen, ajustes  y tono saturación (Si tenemos más huesos tendremos que repetir estos pasos con cada uno de ellos)
  • Activaremos la casilla colorear y ajustamos lo valores como veamos que quedan más realistas  (aprox entre tono 59 y saturación 30)
  • Seleccionamos la herramienta de subexponer, el rango lo ponemos en sombras y con valor aprox de 14% oscurecemos al gusto la mandíbula.
  • Volvemos al menú imagen, ajustes y esta vez niveles y ajustaremos el deslizador de los medios tonos como creamos conveniente. En niveles de salida también modificaremos la iluminación.
 
Pues bien, si habéis seguido estos pasos tendréis una imagen mas o menos parecida a la que veis en portada, solo os quedará modificar el fondo si así lo deseáis y dar los ajustes finales a la imagen como consideréis apropiados.

Cómo usar los modos semiautomáticos de una cámara réflex

Siempre he dicho que el tener una cámara réflex para usarla en automático es algo “absurdo”, considero que es tirar el dinero, ya que aparte de la gran flexibilidad a la hora de usar distintos tipos de focales, otra de sus virtudes es el poder controlar todos los parámetros que conciernen a una fotografía.
 
Pero además del modo manual, donde tendremos el control total de la cámara, tenemos otros dos modos muy comunes en todas las réflex, el modo AV (prioridad de apertura) y el modo TV (prioridad de tiempo o velocidad), de los que podremos conseguir grandes resultados si sabemos utilizarlos.
 
En ocasiones el modo manual es demasiado lento para poder ser usado en fotografía y para ello podremos usar cualquiera de los otros modos semiautomáticos de los que disponemos.
Casos en los que es aconsejable usar el modo AV
 
En este modo tendremos el control de la apertura y de la sensibilidad iso, además de parámetros como el balance de blancos control de la exposición ect… pero la cámara, usando los valores que nosotros le demos, calculará automáticamente la velocidad necesaria para sacar la fotografía con la exposición que nosotros la tengamos programa. 
Hay que recordar que con la apertura no solo jugamos con la luz que nos entra a nuestra cámara, si no además con la profundidad de campo.
  • Retratos: Seleccionando una apertura reducida (f/2.8 por ejemplo) conseguimos convertir el sujeto en el centro de atención de toda la foto. Esto sucede porque cuanto más pequeño sea el valor de la Apertura (el famoso número f/), más nítido será el sujeto retratado y más desenfocado será todo lo demás.
  • Productos: De la misma manera, el este modo permite centrar el enfoque sobre un objeto o producto concreto, conduciendo así la atención del espectador hacia él. Por ello este modo se usa con frecuencia en el mundo de la publicidad estática, fotografía de productos, márketing, etc.
  • Bokeh: Seguramente te habrás topado en más de una ocasión con un tipo de fotos en las que el sujeto u objeto principal está enfocado mientras que por detrás unas luces difuminadas decoran el segundo plano. Este tipo de fotos se llama Bokeh.
  • Paisajes: Este modo permite controlar la Profundidad de Campo, esto es, lo amplia o reducida que tiene que ser la parte enfocada de la foto. Así como en el retrato podemos bajar el número f/ lo máximo que queramos para que así la zona enfocada sea únicamente la cara de nuestro sujeto protagonista, resulta que en los paisajes lo que interesa es todo lo contrario, es decir, que haya cuanta más zona enfocada mejor. De hecho lo ideal en un paisaje normalmente es que la totalidad de la foto tenga enfoque y nitidez por lo cual empleamos la misma técnica que en el retrato pero esta vez al revés y ajustamos un valor f/ más bien elevado, generalmente a partir de f/11 ó más. Disparar con valores f/ elevados permite dotarle al paisaje de toda la nitidez y el enfoque que requiere, en su totalidad.
  • Fotos con poca luz (y sin trípode): En este modo controlamos la apertura del diafragma. Usar una apertura grande (número f mas pequeño) significa permitir que entre más luz a la cámara, algo que nos solucionaría el problema de las fotos con poca luz. De todas formas este punto es algo problemático si no disponemos de un objetivo bastante luminoso (mínimo f2.8) y si es posible que esté estabilizado para poder “forzar” un poco mas la velocidad de disparo.
 
Casos en los que es aconsejable usar el modo TV
 
En este caso lo que haremos es controlar la velocidad de disparo en vez de la apertura, la cámara se encargará de poner la apertura adecuada según la velocidad y el resto de parámetros que le programemos para sacar la foto como queremos. 
  • Deportes: La velocidad está presente en la mayoría de los deportes. Capturar una buena jugada requiere del fotógrafo una velocidad similar o superior a la del propio jugador o deportista a quien se intenta fotografiar, de lo contrario lo más probable es que obtengamos una foto en la que el sujeto está movido y posiblemente falto de nitidez.
  • Fotografía de animales: Al igual que en los deportes, en la fotografía de animales es muy aconsejable usar el modo TV
  • Congelar el movimiento: Lo que acabo de comentar respecto a los deportes es totalmente aplicable sobre cualquier situación en la que queramos congelar el movimiento: tren de alta velocidad, niños corriendo por el parque, la caída de una gota de agua etc…
  • Larga exposición : La fotografía de larga exposición es una manera gráfica y muy artística de representar el paso del tiempo. ¿Te gustaría producir una de esas fotos nocturnas que retratan el paso de los coches con la típica estela de luz roja o blanca que dejan a su paso?.
  • Fotos con poca luz pero con trípode: Ya sabes que, cuanto más lenta sea la velocidad que escojamos, más luz penetrará dentro de nuestra cámara. Para conseguir esto el único requisito es que no se nos mueva ni nos tiemble la mano mientras estemos disparando. La única manera realmente segura y eficiente de conseguirlo es mediante el uso de un buen trípode.
 
Lo que tendréis que recordad es que usando estos modos no evitaréis que la foto salga o movida o trepidada, como recordaréis una foto movida es aquella en el que el sujeto principal nos aparece en movimiento y una foto con trepidación es aquella en la que le hemos transmitido vibraciones a la cámara y la foto a salido completamente movida.
 
Para lo primero, evitar si no es lo que deseamos, tendremos que saber ajustar la velocidad correcta para evitar que el sujeto salga movido.
Para evitar la trepidación tendremos que disparar como mínimo al inverso de la distancia focal usada, (si hacemos la foto a 50mm la velocidad mínima es 1/50) y en caso de tener un sistema de estabilización (no trípode) podremos reducir la velocidad dividendo la distancia focal entre los pasos de estabilización que tiene nuestro objetivo o cámara y al resultado realizar su inverso.
Si usamos trípode recordad de desactivar el estabilizador y si es posible levantad el espejo para que la fotografía salga lo mejor posible.
 
Sabiendo usar estos dos modos correctamente el modo manual se convertirá en algo simple de usar, aunque está claro, a fin de cuentas es el fotógrafo quien decidirá que modo usar dependiendo cada situación en la que se encuentre.
 
Lo que hay que tener claro es que a mayor apertura menos tiempo de exposición, y a menor apertura mas tiempo de exposición necesitaremos, sin contar con los parámetros de la sensibilidad iso, ya que cuanto mas alto sea el valor de la sensibilidad iso menos tiempo de exposición necesitaremos con una apertura menor.

Dar el toque final a tus fotografías en blanco & negro

En artículos anteriores os he comentado distintas formas de editar una fotografía en blanco y negro, así que lo que os voy a comentar ahora es como mejorar un poco mas esa fotografía con unos sencillos pasos.
 


Independientemente de la forma que usemos para editar la foto, los pasos serán los mismos.
Estas mejoras se basan en la aplicación de varias capas de la misma foto con distintos modos de fusión. Abriremos nuestra fotografía en blanco y negro, y crearemos dos copias de la capa.
Para la primera capa, vamos a seleccionar el modo de fusión Sobreexponer Color. Obtendremos una imagen demasiado oscura. Ajustamos la opacidad de la capa eligiendo un valor a nuestro gusto entre el 5% y el 15%.
Para la segunda capa, seleccionaremos el modo de fusión Luz Suave. En este caso, la imagen aclarara un poco. Ajustamos también la opacidad a nuestro gusto. Un valor entre el 5% y el 30%
Solo nos queda probar con la opacidad de ambas capas a nuestro gusto para dar el resultado final.

Mejorando la técnica de Rob Carr en procesado de blanco & negro, Greg Gorman lo hizo.

En un artículo anterior os he explicado la forma de realizar una edición en blanco y negro mediante el método de Rob Carr. Ahora os voy a explicar cómo, a partir de este método, mejorar algo mas el resultado final.
 
Greg Gorman nos explica una serie de pasos que añaden un resultado mejor que al de su colaborador Rob Carr y el resultado lo podéis apreciar en la imagen que os dejo de muestra.

Los pasos a seguir son los siguientes:
 
  • Cambiamos el modo de color a Color Lab. Imagen, Modo, Color Lab
  • En la paleta de canales seleccionamos el canal Luminosidad.
  • Volvemos a cambiar el modo de color a Escala de Grises, si nos pide descartar los otros canales aceptamos.Imagen, Modo, Escala de Grises
  • Sin irnos de la paleta de canales, mantenemos pulsado Control  y hacemos click en el Canal Gris. Vemos como se hace una selección en la imagen. Invertimos la selección en el menú de selección o pulsando: Crtl+Mayus+i
  • Una vez más, cambiamos de modo de color a RGB.
  • Imagen, Modo, Color RGB
  • Creamos una nueva capa de color solido, desde el menú Capa o desde la paleta de capas. Probamos con color negro, pero siempre podemos cambiar el color al final del proceso. Capa, Nueva Capa de Relleno ,Color Sólido
  • A esta nueva capa le cambiamos el modo de fusión a Multiplicar(Multiply). Podemos cambiar la opacidad de esta capa para variar a nuestro gusto el color.
  • Creamos una capa de curvas o niveles para darle contraste a la fotografía.
  • Creamos una nueva capa.Ctrl+Mayus+N
  • Pulsamos Control+alt+Mayus+E y se crea en esa misma capa una copia de todas las demás. Cambiamos su modo de fusión a superposición. Y reducimos la opacidad a un 20%.
  • Vamos al menú de filtros, en Otros seleccionamos Paso alto. Y le aplicamos un radio de 50. (Cuidado con los halos que pueda crear este filtro.)
  • Vamos a las propiedades de la capa haciendo doble click sobre ella. En opciones de fusión vemos “Fusionar si…” y seleccionado el canal Gris hacemos lo siguiente: en el regulador “Esta capa” partimos el primer selector(negro) mateniendo pulsado alt (opción en mac), llevamos la mitad derecha hasta el valor 70 y la otra mitad hasta 50. Con el otro selector(blanco) lo partimos igual y llevamos la mitad izquierda al valor 185 y la mitad derecha al 205.
 

Ya hemos terminado de aplicar la conversión, y tenemos cuatro capas. Las tres primeras las podemos modificar a nuestro gusto:
  • A la capa de paso alto le podemos modificar la opacidad, y jugar con el modo de fusión en las propiedades de capa.
  • La capa de curvas también la podemos ir modificando. O podemos añadir nuevas capas de curva, y jugar con las curvas de color para conseguir un tono diferente.
  • Y también podemos cambiar el color de la capa de color sólido haciendo doble click en la miniatura de la capa.
 
Y listo, ya tenemos un nuevo método para pasar a blanco y negro, de calidad.